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    Zeca Afonso chante Catarina Eufémia

     

    Ce "Cantar alentejano", tiré de l'album "Cantigas do Maio" de 1971, est un hommage de José Afonso à Catarina Eufémia, une journalière portugaise assassinée par un lieutenant de la Guarda Nacional Republicana au cours d'une grève d'ouvrières agricoles à Baleizão, Alentejo (Portugal), le 19 mai 1954.

    Catarina avait 26 ans, mariée, trois enfants, dont un de huit mois dans ses bras lorsqu'elle a été abattue.

    Dans ce vidéoclip, José Afonso est accompagné à la guitare par Carlos Correia (Bóris), la gravure sur la couverture est de José Dias Coelho et les peintures sont d'Armando Alves (lui aussi originaire de la région de l'Alentejo).

    À propos de cet enregistrement, réalisé en France au château d'Hérouville, le producteur José Mário Branco a dit: «Zeca a toujours de la difficulté à rester dans un studio pendant une longue période. Il restait encore une belle et difficile chanson à enregistrer, 'Cantar Alentejano', plus connue sous le nom de 'Catarina'. J'avais décidé que cette chanson n'aurait pas d'autre accompagnement que de la guitare. Il a été laissé à la voix de Zeca, sans filet. Il n'arrêtait pas d'ajourner l'enregistrement et je n'arrêtais pas de le presser. Un jour, à mi-chemin de l'enregistrement de la voix d'une autre chanson, je pense que c'était "Senhor Arcanjo", Zeca s'arrêta et a dit : "hé, attends un peu pendant que je vais dehors pour regarder les vaches". Le château où était installé le studio se trouvait au milieu d'une prairie​. Après une heure, il est revenu et a dit : "maintenant nous pouvons enregistrer 'Catarina'". Bóris s'est enfermé dans la cabine et Zeca était seul au milieu du studio, dans le noir, et a enregistré Catarina en une seule prise. Quand c'était fini, le technicien, moi, les amis présents, Zélia, Isabel, mon ex-femme, et Chico Fanhais, nous pleurions tous.» 

    (José Mário Branco, dans "Livra-te do Medo", de José A. Salvador, éd. A Regra do Jogo, 1984)

     

     

     

    Zeca Afonso chante Catarina Eufémia

     

    Alentejo


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    La Lumière de Vermeer...

     

    Cette Vue de Delft représente une partie de la ville natale de Vermeer sous la forme d'une veduta, une peinture très détaillée d'un paysage urbain. Elle constitue, avec La Ruelle, le seul paysage de l'oeuvre du peintre et c'est l'unique représentation d'un vaste espace.

    Marcel Proust a défini "La Vue de Delft" dans une lettre à son ami Jean-Louis Vaudoyer comme "le plus beau tableau du monde". Il décrit le tableau dans le 5ème tome de son roman "A la recherche du temps perdu" où il met en scène la découverte de la toile par Bergotte en ces termes :

    « Il remarqua pour la première fois des petits personnages en bleu, que le sable était rose, et enfin la précieuse matière du tout petit pan de mur jaune. Ses étourdissements augmentaient ; il attachait son regard, comme un enfant à un papillon jaune qu'il veut saisir, au précieux petit pan de mur. "C'est ainsi que j'aurais dû écrire, disait-il. Mes derniers livres sont trop secs, il aurait fallu passer plusieurs couches de couleur, rendre ma phrase en elle-même précieuse, comme ce petit pan de mur jaune »

     

     

     

    La Lumière de Vermeer entre par la croisée de droite sertie de plomb, entr’ouverte ou fermée claire ou colorée, …

    La Lumière de Vermeer caresse les lourdes tentures somptueuses et les tissus chatoyants, tombe sur le carrelage noir et blanc aux plinthes nacrées, faites de carreaux de Delft… 

    La Lumière de Vermeer baigne d’une patience raffinée les actes de la vie secrète et quotidienne…

     


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    Fernando Botero

     

    La mort de Pablo Escobar 

    Fernando Botero

     

     

    Né le 19 avril 1932 à Medellin, en Colombie, Fernando n'a que 4 ans lorsque son père, agent de commerce qui gagnait sa vie en parcourant à cheval la région de Medellin, meurt prématurément. Aidé par l'un de ses oncles, sa mère continue à l'élever avec ses deux frères. En 1944, son oncle, passionné de corrida l'inscrit dans une école taurine où il passe deux années. Fernando, traumatisé y développe une peur irrépressible des taureaux, mais reste cependant fasciné par l'univers de la tauromachie et ses premiers dessins ont pour objet principal des toreros et des taureaux. 

    Botero s'est installé à Bogota en 1951 et a eu sa première exposition internationale au Leo Matiz Gal. Il part pour Madrid en 1952, étudie à l'Académie San Fernando et, de 1953 à 1955, étudie la technique de la fresque et l'histoire de l'art à Florence, ce qui a influencé sa peinture depuis lors. De retour en Colombie, il expose à la Biblioteca Nacional de Bogota et commence à enseigner à l'école des beaux-arts de l'université nationale ; la même année, il séjourne au Mexique pour étudier les fresques politiques de Rivera et d'Orozco, dont l'influence est évidente dans sa perspective politique. 

    La visite de Botero aux États-Unis à la fin des années 1950 l'incite à revenir vivre et travailler à New York pendant dix ans à partir de 1960. Bien que l'expressionnisme abstrait l'intéresse, il puise son inspiration première dans la Renaissance italienne. C'est à cette époque qu'il commence à expérimenter la création de volumes dans ses tableaux en élargissant les figures et en comprimant l'espace qui les entoure, une qualité qu'il continue à explorer, qu'il s'agisse de portraits de groupe imaginaires ou de parodies de l'œuvre de maîtres célèbres.

    Largement exposé en Europe et en Amérique du Nord et du Sud, Botero a reçu de nombreux prix, dont le premier Intercol au Musée d'art moderne de Bogota, et figure dans les principaux musées du monde. Depuis le début des années 1970, Botero partage son temps entre Paris, Madrid et Medellin. 

    "Un jour, j'ai fait le dessin d'une mandoline et, par erreur, j'ai tracé un point minuscule à la place de la rosace, ... ce qui donnait à l'instrument un aspect gonflé et massif", c'est ainsi que Fernando Botero décrit la genèse de son style particulier et gonflé. Ce n'est pas la découverte de la préférence de l'artiste colombien pour les formes massives, car il avait eu une prise de conscience similaire quelques années auparavant en étudiant les peintures de Piero della Francesca. L'épisode de la mandoline constitue toutefois un moment charnière dans la carrière artistique de Botero. La déformation extrême est depuis devenue la marque de fabrique de ses figures. En fait, ce trait est parfois si puissant qu'il est connu pour éclipser d'autres aspects de son travail. 

    En tant que connaisseur de l'histoire de l'art, Botero a recherché les archétypes de son style dans des exemples du passé. Il a découvert que dans l'histoire de la sculpture antique, les périodes de maturité artistique - l'Ancien Empire égyptien ou la Grèce du Ve siècle, par exemple - coïncidaient avec une exaltation des volumes et la représentation de peu d'émotions. De même, en peinture, Botero retrouve des traits similaires dans les figures monumentales et hiératiques de Giotto, Uccello, Ingres et Piero della Francesca. 

    Botero s'est efforcé de susciter des sensations tactiles similaires, qu'il a observées dans l'héritage artistique des civilisations précolombiennes, ainsi que dans les œuvres de muralistes mexicains tels que Orozco, Rivera et Siqueiros. Ce faisant, il modifie librement les proportions de ses figures, convaincu que la distorsion est l'essence même de l'art, même dans ses expressions les plus classiques. Outre ces fondements archétypaux tirés de diverses sources de l'histoire de l'art, d'autres forces, plus indéfinies, peuvent contribuer à expliquer davantage le développement artistique particulier de Botero. Peut-être s'agit-il de l'influence de l'exubérance naturelle de la Colombie - une terre propice à un certain degré de démesure - telle que décrite dans les romans de Gabriel Garcia Marquez. Peut-être cette abondance constante était-elle la tentative de l'artiste de réaliser son rêve d'enfance d'être "plus grand, plus solide, physiquement plus important". 

    Peu d'artistes ont réussi à créer un monde aussi subjectif et tout à fait distinctif que celui de Botero. S'appuyant résolument sur ses convictions indépendantes, le peintre a jeté les bases de son propre idiome plastique, qui est resté constant pendant plusieurs décennies. Même pendant les périodes les plus difficiles de sa vie - lorsqu'un critique d'Artneivs a décrit ses figures comme des "fœtus engendrés par Mussolini sur une paysanne idiote" ou après la mort de son jeune fils, par exemple - l'œuvre de Botero a conservé sa sage ingénuité caractéristique, ainsi que son contentement et son opulence inhérents.

     Bien que Botero ait vécu dans un grand nombre d'endroits, son pays natal, la Colombie, joue un rôle constant et crucial dans son œuvre. Il est né en 1932 à Medellin, une ville située au cœur de la province d'Antioquia. L'artiste a passé ses premières années dans cette région caractérisée par un terrain escarpé, entrecoupé par les éperons et les contreforts des Andes, et sillonné par des vallées difficiles d'accès. La nature agitée du jeune homme et ses penchants artistiques se heurtent à son environnement provincial. Un épisode révélateur de ces années est l'expulsion de Botero du lycée suite à la publication dans le journal local de son article intitulé "Picasso et la non-conformité dans l'art". Sa discussion sur l'importance de la distorsion dans les œuvres de Picasso a été jugée obscène par les autorités locales, qui avaient déjà réprimandé Botero pour avoir publié auparavant certains de ses propres dessins de nus. 

    L'expulsion de l'école et la suspension de sa bourse d'études qui en découle obligent Botero à poursuivre ses études dans la ville voisine de Marinilla, où il subvient à ses besoins en illustrant un certain nombre de périodiques et en concevant des décors de théâtre. Au début des années 1950, après avoir terminé ses études, Botero s'installe à Bogota, où il fréquente la crème de l'intelligencija colombienne. Quelques mois après son arrivée dans la capitale, et peu après son dix-neuvième anniversaire, Botero a eu sa première exposition personnelle. Grâce à la vente de plusieurs œuvres, il peut se permettre un court séjour dans la ville caribéenne de Tolu. Les quelques mois qu'il y passe sont presque entièrement consacrés à la peinture. L'année suivante, Botero organise une deuxième exposition personnelle, dans laquelle il présente des œuvres exécutées à Tolu et dans les mois qui suivent immédiatement. Ce groupe de peintures, fortement influencé par Gauguin, ainsi que par les premières œuvres de Picasso, se vend très bien. Ces revenus, ainsi que l'argent d'un prix de peinture, permettent à Botero de réaliser son rêve de voyager en Europe.

    Botero arrive à Barcelone au cours de l'été 1952. Le peintre, dont la connaissance de l'art moderne se limite à des reproductions qu'il a vues imprimées dans des livres, est très déçu par le peu d'œuvres réelles dont il dispose dans la ville catalane. Il s'installe rapidement à Madrid, où il résidera pendant plusieurs mois. Dans la capitale espagnole, Botero s'inscrit à l'Academia San Fernando. Lorsqu'il n'assiste pas aux cours, il visite souvent le musée du Prado, attiré par sa collection d'œuvres de Velazquez et de Goya. De Madrid, il s'installe à Paris où, se sentant de plus en plus proche des maîtres anciens et de plus en plus éloigné des styles d'avant-garde, Botero fréquente peu les musées autres que le Louvre. À la fin de l'été 1953, après son bref séjour dans la capitale française, il s'installe à Florence et s'inscrit à l'Académie des Beaux-Arts de San Marco pour apprendre les techniques de la peinture à fresque. Son séjour dure plus de deux ans et s'avère être la période la plus importante de sa formation artistique. Cette étape formatrice est cruciale à plusieurs égards. Non seulement Botero a pu observer de près les créations de Giotto et des maîtres de la Renaissance, mais il a aussi beaucoup profité de son professeur, l'artiste de l'époque. 

    Après ses expériences enrichissantes en Italie, le retour de Botero en Colombie se solde par un amer retour aux sources. L'exposition à Bogota des œuvres qu'il a peintes en Europe est un échec total ; il ne vend pas un seul tableau. Au début de l'année 1956, à la suite de cette dure déception, l'artiste quitte la Colombie et s'installe à Mexico avec sa nouvelle épouse, Gloria Zea. C'est là qu'a lieu le célèbre épisode de la mandoline et que, sous l'influence d'Orozco, Rivera et Siqueiros, les grands muralistes qu'il a admirés pendant toute sa première phase colombienne, Botero commence à développer son style distinctif de formes démesurées. Cette même année, ses œuvres sont exposées pour la première fois aux États-Unis et son succès ne cesse de croître. À l'âge de vingt-six ans, Botero est nommé professeur de peinture à l'Académie des arts de Bogota, et ses tableaux continuent d'attirer un nombre croissant d'acheteurs. Il s'agit toutefois d'une période difficile pour Botero, tant dans sa vie personnelle que dans sa carrière. En 1960, il commence à louer un petit appartement à New York tout en finalisant son divorce avec Gloria Zea. Dans le même temps, il subit l'hostilité sans équivoque des critiques d'art et de ses collègues new-yorkais qui, pour la plupart, appartiennent à l'école expressionniste abstraite. Le tournant de la carrière de Botero se produit en 1961 lorsque Dorothy Miller, alors conservatrice des collections du Musée d'art moderne de New York, achète sa Mona Lisa, à l'âge de 12 ans. 

    Cet achat a permis de consolider définitivement la renommée de l'artiste. Au milieu des années 1960, les tons ocre et le lourd travail de brossage de ses peintures précédentes font place à un nouveau style, avec des surfaces polies et des couleurs plus vives, caractéristiques de ses œuvres de maturité. Pendant les années qui suivent, Botero réside alternativement en Colombie, en Europe et à New York. En 1970, son fils Pedro est né de sa seconde épouse, Cecilia Zambrano. Quatre ans plus tard, dans un tragique accident de voiture, l'enfant meurt et le peintre est gravement blessé. 

    Dans les années qui suivent, la sculpture occupe une place de plus en plus importante dans la carrière de Botero. En 1983, il s'installe à Pietrasanta, une ville toscane célèbre pour ses fonderies et ses nombreuses carrières de marbre. En raison de cette importance croissante accordée à la sculpture, il commence à passer plusieurs mois par an en Italie. Pour Botero, c'est une période d'activité renouvelée et intense, tant en sculpture qu'en peinture, cette dernière représentant fréquemment des thèmes taurins. Ces œuvres sont bien accueillies et se traduisent bientôt par une série ininterrompue d'expositions. La vaste rétrospective de son œuvre, organisée au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, D.C., en 1979, a été la première d'une série d'expositions similaires. Des expositions ultérieures ont eu lieu à Chicago, New York et Madrid. Ni la célébrité ni les prix élevés atteints par ses œuvres n'ont changé les habitudes nomades de Botero, qui a partagé  Aujourd'hui  son temps entre la Colombie, New York, Paris et Pietrasanta. 

    La plupart du temps, les incursions de Botero dans le domaine du portrait ont pris la forme d'autoportraits, dans lesquels il soumet sa propre figure à la même logique déformante qu'il applique à toutes les autres. Il le fait avec une bonne dose d'humour, surtout lorsqu'il fait écho à d'illustres antécédents comme Rembrandt ou de Chirico. Il se déguise en personnages les plus divers, projections, peut-être, de ses désirs inassouvis, allant du conquistador espagnol au torero galant. Dans certains cas, l'artiste colombien se représente sous la forme d'un personnage minuscule, quelque part entre la représentation médiévale du donateur et les autoportraits de Velazquez représentés aux côtés de ses éminents modèles. Dans d'autres cas, cependant, la présence de Botero est rendue presque imperceptible, alors que son visage distinctif émerge timidement d'un minuscule camée.

    L'un des chapitres les plus marquants de la carrière de Botero est celui qui comprend ses interprétations de tableaux célèbres de l'histoire de l'art. Comme Picasso et Bacon, le peintre colombien emprunte des motifs à un héritage culturel commun. L'intention de Botero n'est cependant pas de copier Léonard, Caravage ou Mantegna, car ses tableaux sont des interprétations libres qui ne retiennent que le sujet des originaux. En dépouillant les motifs de tous leurs traits stylistiques, il les convertit en véritables Boteros. Bien qu'une certaine ironie s'infiltre dans ces œuvres, le but de l'artiste n'est pas de créer des caricatures. Il s'agit plutôt de ses tentatives de distiller les véritables essences des peintures tout en se conformant aux aspects formels de son style particulier. L'artiste s'est exercé à retravailler l'art du passé depuis qu'il a exécuté des copies de tableaux de Velazquez au Prado, ou lorsqu'il a suivi des cours de fresque à Florence.

     

    « Gros, mes personnages ? Non, ils ont du volume, c'est magique, c'est sensuel. Et c'est ça qui me passionne : retrouver le volume que la peinture contemporaine a complètement oublié"

    « Prendre pour modèle une peinture d'un autre peintre, ce que je fais souvent, c'est se mesurer à la puissance picturale d'une œuvre. Si la position esthétique que l'on a est absolument originale par rapport à celle à laquelle on se confronte, l'œuvre que l'on fait est elle-même originale"

     

    « Je n’ai jamais travaillé avec des modèles. Un modèle pour moi constituerait une limitation à ma liberté de dessiner ou de peindre. Je n’ai jamais posé trois objets sur une table pour faire une nature morte. Je ne me suis jamais placé, non plus, dans un endroit particulier pour reproduire un paysage. En réalité, je n’ai besoin de rien devant moi. Mes choix de personnages sont arbitraires et tous sont le fruit de mon imagination. »

     

      

    Source de la biographie : http://www.all-art.org/art_20th_century/botero1.html


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  •   Mário-Henrique Leiria "claridade dada pelo tempo"

     

    Fragment de "claridade dada pelo tempo", de Mário-Henrique Leiria (1950-1951)

    Illustrations de Cruzeiro Seixas

    Musique de Carlos Paredes ("canção verdes anos")

    Photo (Carlos Paredes) de Serge Cohen

     


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